美術的發展源遠流長，可以說，有了人類就有了美術，人類的祖先留下不少美術作品，如陶器、雕塑、特別是岩畫。一個著名的例子就是西班牙北部桑坦德附近的阿爾塔米拉洞窟（Cuevas de Altamira）發現有舊石器時代的壁畫，被譽為“文化史上的明珠”。這個洞窟壁畫的發現很富傳奇色彩。1875年，一個名叫德桑圖奧拉的自然科學家到這裏收集化石，發現了許多動物的骨骼和細石器。時隔4年，他再次來到這裏，並把小女兒帶在身邊。在幽深的洞窟裏，舉著火把的女兒喊道：“爸爸，快來看，這裏刻滿了動物畫像！”就這樣一個轟動世界的史前藝術遺跡被一對父女意外地發現了。阿爾塔米拉洞窟由一系列廳堂和過道組成，總長270米。發現壁畫的大廳長18米，寬6至9米。穹窿形洞頂上繪有野牛、野豬、野馬和赤鹿等多種動物。這些畫像同自然界的動物大小相似，形態上也千姿百態，有昂首翹尾舉步欲前的，有奔跑撒歡神態飛揚的，也有追逐角鬥生氣勃勃的，更有臥著休息寧靜安詳的。令人難以置信，這些藝術高超的繪畫竟是15000年前原始人的作品。這些壁畫是原始人用堅硬的燧石或動物骨頭做成的刻刀，用植物纖維和動物羽毛做成的“畫筆“，在洞窟中創作的成果。畫像的色彩主要由紅，黑，黃褐3色組成。這些顏色分別取於土壤、礦物質、動物血和灶底的炭灰，同動物油脂摻合在一起，這獨特的色彩使壁畫至今保持新鮮。1985年這個洞窟被列入世界文化遺產名錄，受到嚴格的保護。
非洲、亞洲和拉美的美術
非洲的埃及最先進入文明階段，古埃及人不僅在建築上是了不起的天才，造出金字塔，同樣也是了不起的畫家。他們在神廟以及墓室的牆上，繪滿了壁畫。古埃及浮雕與繪畫有著密切的關係，浮雕大部分是線刻，並塗以色彩，而繪畫也常常刻畫輪廓線。除了黑白之外，古埃及人的壁畫，大都限於運用4種顏色，即黃、紅、藍、綠。當然有時他們也將這幾種顏色調和了再使用。繪畫風格為“工筆重彩”。畫法上採用“正側面混合”的表現方法，人物上身為正面，頭部與下肢為側面。真人或站或坐都無法保持這種姿勢。但這種奇特的造型卻可以巧妙地同時表現出人物的正面與側面，使人物具有立體感，這是古埃及繪畫的一個特點。從內容上看，有的表現神話故事，有的表現戰爭場面，也有不少題材是反映社會的生活，包括農業、園藝和手工作坊的各種勞動場面以及統治階級的日常生活場景，為研究當時的社會情況提供了極其寶貴的資料。比較典型的例子是《捕禽圖》。
非洲的埃塞俄比亞歷史非常悠久，有三千年文明史。據埃塞俄比亞的傳說，《聖經》中提到的示巴女王曾統治埃塞和葉門一帶，這位美麗的女王，曾拜訪具有無與倫比的智慧的所羅門王，當她與隨從人員一起，帶著滿載華貴禮品的797頭駱駝、無數頭騾和驢到達耶路撒冷，所羅門隆重地接待了她，並與她相愛。他們生下了兒子，即埃塞俄比亞的開國君主，後來埃塞成為世界上最早的基督教國家之一。也是一直未被殖民統治的國家。君主制一直持續到1974年推翻塞拉西皇帝。該國用繪畫描繪聖經故事，成為傳統。風格古拙，呆萌。
此外深色木雕至今在大部分黑非洲國家流行，為特色工藝品。
西亞古代有巴比倫藝術，後來轉變為以伊斯蘭文化為主，宗教建築沒有人物形象。繪畫方面流行細密畫，主要用於書籍插圖等。細密畫是傳統的中東繪畫藝術，內容大多描述中世紀打獵、戰爭的場面或是宮廷生活。阿拉伯帝國時期著名的巴格達畫派，創作細密畫，作為伊斯蘭書稿的插圖，如《一千零一夜》中的許多故事。而波斯細密畫富於裝飾性，具有色彩絢麗的獨特風格，影響遠及印度。
印度教崇拜多神，喜用雕刻繪畫來表現眾神的形象。北方尊崇保護之神毗濕奴（Vishnu）。其形象是長著四只手，分別拿著神螺、神盤、神杵與荷花。常站立或躺在九頭眼鏡蛇身上。他的妻子是吉祥天女拉克希米，司掌人間財富。毗濕奴還有羅摩、克裏希納（黑天神）等十種化身。南方信奉破壞之神濕婆（Shiva）。他常被塑作三眼四臂，腳踏侏儒，四手分持小鼓、三叉戟、水罐和火焰。有時做舞蹈之狀。他的妻子是雪山神女黛維（帕爾瓦蒂），兒子為象頭神（Ganesha，音譯伽涅沙）。其他神祇還很多，如神猴哈努曼（Hanuman），據說孫悟空的形象就是從哈努曼脫胎而出的。這些神祇不僅供奉在神廟裏，甚至許多家庭裏也有他們的畫像或塑像。
在印度，細密畫（Miniature Paintings）就像中國的國畫一樣，是富有特色的傳統藝術。包括印度教和伊斯蘭教細密畫。其中17世紀早期的細密畫賈汗吉爾皇帝施捨圖（Jahanggir Giving Alms）是最精美的一幅，畫面上皇帝在出巡途中為貧民佈施的畫面栩栩如生，令人想起康熙南巡的畫面。健陀羅石雕（Gandhara Sculpture，古代印度西北部盛行的藝術，融合印度藝術與希臘藝術為一體）。
東南亞藝術受印度影響較大，而日本和朝鮮半島受中國影響較大。日本在世界上比較出名的是繪畫藝術浮世繪。浮世繪，也就是日本的風俗畫，版畫。它是日本江戶時代（1603-1867年間）興起的一種獨特的民族藝術，主要描繪人們日常生活、世間百態風景和演劇。浮世繪常被認為專指彩色印刷的木版畫（日語稱為錦繪），但事實上也有手繪的作品。在亞洲和世界藝術中，它呈現出特異的色調與丰姿，歷經三百餘年，影響深及歐亞各地，十九世紀歐洲從古典主義到印象主義諸流派大師也無不受到此種畫風的啟發，因此，浮世繪具有很高的藝術價值。
再說說拉丁美洲。古代有印第安藝術，建造出階梯金字塔，留下不少雕塑，也發現一些壁畫。如在墨西哥南部瑪雅古跡博南帕克（Bonampak）。博南帕克位於靠近瓜地馬拉邊境的熱帶雨林，在這裏可以參觀舉世聞名的畫殿，也就是瑪雅寺廟精美的彩繪壁畫。此壁畫已有一千多年的歷史，描繪戰爭、獻俘儀式和歡慶勝利的場面。這組壁畫色彩絢麗，構圖巧妙，場面宏大，是世界藝術的瑰寶。
自從哥倫布發現新大陸以後，拉美主要受西班牙葡萄牙、天主教文化影響。墨西哥獨立後，一些建築繼續沿襲西班牙風格，也開始模仿法國義大利等國的建築。進入20世紀後，在建築方面嘗試採用一些古代印第安的建築元素。其目的在於尋求民族認同感，很多建築被多姿多彩的壁畫所覆蓋，這是墨西哥現代建築的一大特色。
壁畫是深受墨西哥人喜愛的藝術形式。在首都墨西哥城和其他城市許多公共建築，如政府機構、學校、博物館、劇場、電影院的外牆內壁上都佈滿了大型壁畫。墨西哥的壁畫獨樹一幟，它是墨西哥藝術的瑰寶，為高原古都增添了絢麗的色彩，使墨西哥城贏得“壁畫之都”的稱譽。
墨西哥的壁畫在古代印第安人時期就曾盛行一時。現代壁畫則是墨西哥革命的文化產物，興起於20世紀20年代。1921年，奧夫雷貢總統（1880-1928）新內閣的成員急於要宣傳墨西哥的歷史和文化。他們讓人在市中心的許多公共建築牆壁上繪製壁畫。於是，墨西哥開始了壁畫運動。
墨西哥的壁畫繼承了古代印第安壁畫的傳統，並與近現代墨西哥繪畫藝術相結合，創造出了新的技巧和方法，打破了學院派的清規戒律，具有強烈的戰鬥性和民族風格。即使是不識字的平民百姓也能通過“壁畫運動三傑”——裏維拉、奧羅茲科（1883-1949）和西凱羅斯（1896-1974）的壁畫作品瞭解歷史，展望未來。墨西哥的壁畫來自人們，它不僅以雄渾的筆觸刻劃了墨西哥民族的過去，而且通過藝術形象鼓舞和激勵著墨西哥人民繼續前進。
裏維拉繪製在國家宮（Palacio Nacional）中央馬蹄形樓梯回廊牆面上的《墨西哥的歷史》（Epopeya del pueblo mexicano）是其巔峰傑作，分中央和兩側3部分，總面積276平方米。這幅耗費6年心血創作的史詩壁畫巨作描繪了墨西哥從古代到近代的歷史變遷，內容有羽蛇神傳說、古代印第安文化、玉米和可哥的種植、龍舌蘭加工業、科爾特斯登陸、土著的英勇反抗、1810年獨立戰爭、1857年改革法、馬克西米連皇帝的處決、1910年革命等，波瀾壯闊的畫中人物近千人，向世人歌頌了自己的民族，凝聚了墨西哥本土的歷史文化與民族精神，呈現出濃厚的墨西哥人文特色和社會風情，堪稱氣勢磅礴的歷史長卷。就說其中一個畫面吧，令人觸目驚心：幾個衣著光鮮的殖民者，正在做著販賣人口的交易，手中銀元叮噹，他們身後的母親緊緊背著即將被主人賣掉的孩子，而孩子也緊抓住媽媽的衣襟不放，眼中噙滿了淚水，左邊一個奴隸正在被施以剜眼的酷刑。而右邊的畫面則格外明亮，主要描繪殖民者所掠奪的財富，包括牛羊、奴隸及大量錢財，這一部分與奴隸們的悲慘境遇形成鮮明的對比，給人以極大的視覺衝突。為了不負眾望，在畫中凸顯墨西哥的民族特色，裏維拉多次出入人類學、民俗學博物館，認真閱讀涉及墨西哥古代各民族的服裝、工具、兵器、生活習俗的書籍，從而全面把握創作的主題、選材、形式和節奏。一個並不熟悉墨西哥的人，看了裏維拉的巨作也能對墨西哥的歷史和民俗風情有大致的瞭解。
歐洲美術的演變
希臘藝術是歐洲藝術的源頭，而歐洲藝術非常強調藝術的科學性，總是把藝術和科學結合在一起。透視，解剖，構圖，色彩四門學問都是建立在科學的基礎之上的。
古希臘雕刻多半以神為題材。希臘神話的最大特色是“神人同形同性說”。他們認為神就是人的最完美的體現，神與人有同一個模樣和同樣的脾氣，只是神能長生不老，神通廣大而已。因此希臘的神像實際上是更為典型，更為完美的人的形象。這樣，神像的製作就要求藝術家對人體結構作精深研究，從而更逼真、更生動地塑造人的形象。許多優秀的雕刻作品因氣勢宏偉、形象完美和風格洗練而罕與倫比，至今仍放射著燦爛的光輝。
雕刻家們已能精確掌握人體結構的表現技巧，令後人歎為觀止。如米隆的代表作《擲鐵餅者》，藝術家抓住了運動員擲出鐵餅時最優美的姿態：他右手緊握鐵餅，彎腰轉身，聚集全身力量，正準備一躍而起，把鐵餅猛擲出去——極為生動地刻畫出運動員在擲出鐵餅前的一霎那間的緊張姿態。海神波塞冬銅像（一說是宙斯像）也是這一時期的接觸作品。銅像為一壯年男子，高約2米，動作開張，肌肉強勁，飽含旺盛的精力，並有一種先聲奪人的英雄氣勢。再如米洛斯的阿佛羅狄忒（維納斯），勝利女神像和拉奧孔群像現已不在希臘，而保存在巴黎盧浮宮和梵蒂岡等地。
陶器的造型和多種器皿上的繪畫也是古希臘藝術寶庫的一部分。陶器繪畫尤其出名。先有在陶器的天然紅色表面用黑色作畫的黑畫陶，取而代之的是紅畫陶，即畫面本身是陶器的天然紅，而其餘空間為黑色。
無論是神廟，還是雕刻繪畫往往都與神話有關。在世界各民族的神話傳說中，保存得最完整，內容最豐富的要算希臘神話了。希臘人認為，宇宙創造眾神，而眾神又以宙斯為首，構成一個神系。宙斯是至尊天神。他住在奧林波斯山上的黃金宮殿裏，與諸神集會一時，飲宴作樂，享受人間的獻祭。他和兄弟波塞冬、哈得斯分別掌管上天、海洋和冥土三界。妻子是天後赫拉，姐姐得墨忒耳和赫斯提亞為農神和灶神。這是老一輩的大神。宙斯和天後赫拉及其他一些女神又生了不少兒女，如智慧女神雅典娜、太陽神阿波羅、月神阿耳忒彌斯、美神阿佛羅狄忒、商神赫耳墨斯、火神赫費斯托斯、戰神阿瑞斯、酒神狄俄尼索斯和文藝女神繆斯等。這是年輕一代的神祗。還有第三代神，如阿波羅的兒子醫神阿斯克勒庇俄斯、赫耳墨斯的兒子牧神潘和阿佛羅狄忒之子愛神厄羅斯等等。這樣，一個神的世界便建立起來，熱鬧起來了。
以後出現了人類。對人類的產生和發展，普羅米修斯是最有功勞的一個神。他屬於提坦神族，與宙斯平輩。是他，為人類從天上盜來了火種。
英雄傳說也是希臘神話的重要組成部分，其中有赫拉克勒斯建立12件奇功，伊阿宋取回金羊毛，忒修斯為民除害和特洛伊戰爭等。這些故事體現了古代人類的智慧和勇敢。
這些神與英雄的故事成為藝術創作的一個重要源泉，它直接產生了著名的史詩和戲劇。建造神廟和創作神像也成為希臘藝術中的重要部分。
羅馬帝國繼承了希臘文化，雕塑繪畫也達到很高的水準。但羅馬帝國衰亡後，進入中世紀，由於蠻族入侵和宗教禁錮等原因，經歷了幾百年衰退時期。這一時期充斥著以聖經故事為題材的雕塑和繪畫。
中世紀的歐洲藝術作品，總的感覺比較呆板，以義大利拉韋納聖維塔萊教堂（S．Vitale）的《查士丁尼皇帝和廷臣》為例。為了弘揚查士丁尼光復拉韋納的赫赫戰功，教堂的牆壁上鑲有他和皇后泰奧多拉的形象。畫面色調獨特，大塊的白色、黃褐色、絳紅色彩與小塊金色相結合，十分清晰明確。隨著觀眾位置的移動小塊金色又閃耀發光，畫面更顯得活躍生動。可以說，這是拜占庭鑲嵌藝術中最為典型的代表作品。但是在人物造型上，不如希臘羅馬時期生動。
法國諾曼第小城巴約（Bayeux），珍藏著一幅寬50釐米、長70米的掛毯（Tapisserie de la Reine Mathilde），各種色彩的毛線在亞麻布上繡出58個場面。從這幅900多年前的作品中，可以看到當年的兵器、戰船、服飾、風俗和人仰馬翻的戰場，像看連環畫一樣，瞭解諾曼第大公威廉征英之戰的全過程。1066年他率5萬諾曼精兵，乘3000只戰船跨海，一舉征服英格蘭，登上王位，建立了英國史上的諾曼王朝。這一掛毯被稱為《巴約掛毯》，歷史價值不菲，但在人物造型上，顯然不夠逼真。
中世紀晚期，雕刻和繪畫開始走上現實主義的道路，產生了文藝復興。早期喬托（Giotto di Bondone，約1267-1337）的成就最為突出。他畫的壁畫中的福音故事得到了世俗的解釋，創造了富有生活氣息的人物形象。有人認為喬托在繪畫方面像但丁在文學方面一樣是一個跨時代的藝術家。他被認定為是義大利文藝復興時期的開創者，被譽為“歐洲繪畫之父”。馬薩喬是喬托的繼承人，一些重要的繪畫技術，諸如運用中心光源和革新的透視法，都歸功於他，對繪畫藝術的發展很有影響。
16世紀是義大利文藝復興的盛期。人文主義在藝術作品中得到了充分體現。這個時期的特點是古典主義，藝術形象富有高度的人情風味。文藝復興最著名的藝術大師達·芬奇（1452—1519）、米開朗琪羅（1475—1564）、拉斐爾（1483—1520）和提香（1490—1576）都屬於這一時期。達·芬奇不僅是畫家、建築師，而且是科學家和發明家。他的畫注重刻劃人物的心理活動。其壁畫《最後的晚餐》（米蘭）是譽滿世界的傑作。米開朗琪羅在雕刻、繪畫和建築方面都取得了傑出的成就。他以刻畫人物為主，讚美人的力量和鬥爭精神。著名的雕刻《大衛》像以及壁畫《創世紀》和《末日審判》等，都是傳世佳作。宏偉的聖彼得教堂圓頂也出於他之手。拉斐爾的作品充分體現了文藝復興時期的人文主義思想。他畫的聖母像已不再是刻板的宗教形象，而是城市市民階級所喜愛的母性。拉斐爾還在梵蒂岡留下了《雅典學園》等傑出的壁畫。提香是威尼斯畫派中成就最大的畫家。其創作生涯在所有文藝復興大師中最為漫長，成果也最豐富。作品風格以健美豐盛、色彩絢麗取勝。他善於掌握油畫技巧，樹立了西方近代油畫的基礎。
文藝復興之風也吹倒了其他歐洲國家，如德國產生了繪畫大師丟勒（Albrecht Dürer；1471-1528）。從紐倫堡古堡下來，就是丟勒故居，現為紀念館。門首嵌有後人依照他的自畫像塑的浮雕。如果不經人指點或不認識這幅畫，就極可能被誤認為基督像。丟勒本人就長了這麼一幅莊嚴的外貌。他是德國歷史上最偉大的畫家，學識淵博，多才多藝，在油畫、銅版畫、寫生素描和藝術理論方面都有很深的造詣。有人甚至把他與達·芬奇並列，稱他是文藝復興的巨人之一。丟勒一生的最後20年，就在這幢半木結構的中古市民住宅小樓裏度過。在這裏人們可以參觀他的畫室，欣賞到他的作品真跡或複製品。他的油畫精彩，版畫更為出色。當時德國古登堡剛剛發明近代鉛字印刷術不久，丟勒的版畫為印刷的書籍增色不少，堪稱藝術史上首屈一指的版畫家。
文藝復興之後是巴洛克藝術時代，西班牙管轄下的佛蘭德斯宮廷畫家魯本斯是巴洛克繪畫的傑出代表。為名震歐洲畫壇，各國貴族、教會、富商的訂畫源源而來，一個人根本忙不過來，於是他把幾十個學生和助手組織在一起，用流水作業的方式進行繪製工作。有些畫魯本斯只提出創意，或者打個草稿，然後交給學生和助手去完成。完成後他在上面作一些修改或增補，就算大功告成。魯本斯一生的油畫作品多達2250件以上，其中約300幅為親手所繪，其他作品也都經過他用生花妙筆“畫龍點睛”，才簽上自己的大名。他還留下大量油畫草圖和素描稿。歐洲美術史上最著名的巴洛克藝術大師只有兩個，一個是義大利的貝爾尼尼（Gian Lorenzo Bernini，又譯貝尼尼，1598-1680），他的主要成就在雕塑和建築方面，另一個就是魯本斯，是巴洛克繪畫藝術最傑出的代表。
巴洛克藝術風靡於17世紀，與文藝復興美術的莊重典雅相區別。這種風格氣魄宏偉博大，色彩富麗堂皇，線條旋舞風動，光暗神秘莫測，並有著細膩的心理刻畫。強調運動和激情，重視綜合和變形，富有豪華感。魯本斯的作品堂堂然有大師的風格，的確不愧為巴洛克繪畫第一人。他的畫構圖宏大，色彩鮮麗而富於變化，明暗對比顯著，線條曲折，很能抓住觀賞者的心靈。魯本斯自始至終是一位傑出的色彩畫家。他掌握了如何運用濃淡法的原理——即光影的平衡分佈產生完美的色彩和諧。對於人體形象，他都畫得肌質過於紅潤肥美，“環肥燕瘦”，這也許是魯本斯眼裏的理想美吧。
魯本斯的畫題材廣泛，他擅長於繪製宗教、神話、歷史、風俗、肖像以及風景畫。代表作有出自希臘神話的《劫奪留西帕斯的女兒》（The Rape of the Daughters of Leucippus，希臘神話中的搶婚故事）與《亞馬孫之戰》（均存慕尼克）以及《三美神》（存馬德里）等。
荷蘭繪畫歷史悠久。16世紀末以前在今荷蘭比利時領土上發達起來的藝術，通常稱為尼德蘭藝術。15世紀初的尼德蘭畫家凡·愛克兄弟被認為是油畫技法的奠基者。荷蘭獨立以來的繪畫領域以17世紀和19世紀為中心。這兩個時期藝術家輩出，各領風騷。
17世紀初的畫家哈爾斯（1580-1666）畢生所繪多為人像畫和風俗畫，對油畫技法的改進貢獻良多。迄今荷蘭最有名的繪畫巨匠倫勃朗（1606-1669）崛起於17世紀的中期。他最拿手的作品多為人像畫，團體群像畫，宗教畫和自畫像，值得令人玩味再三。特別是他繪的自畫像深刻地表現出自己起伏跌宕的一生，最耐人尋味。此外，還有專攻風景畫的雷斯達爾，喜繪風俗畫和室內畫的維米爾，都是大師級的畫家。
18世紀末到19世紀，浪漫主義盛行，代表畫家有西班牙的戈雅和法國的德拉克洛瓦等很多畫家。盧浮宮陳列的膾炙人口的名畫《自由引導人民》（La Liberté guidant le peuple）就是浪漫主義畫家德拉克洛瓦的傑作，取材於法國1830年的7月革命。油畫上展示了硝煙彌漫的巷戰場面，起義的巴黎民眾持槍在街壘上與敵軍作殊死搏鬥。畫家在畫中還設想了一個象徵自由的女神形象。她頭腦戴法國大革命時期的紅色佛吉尼亞帽，左手持槍，右手高擎飄揚著三色旗，正轉身號召民眾向君主專制王朝沖去。這幅畫氣勢磅礴，既寫實，又浪漫，具有強烈的感染力，是法國繪畫的代表作。
印象派和抽象派
19世紀中葉到20世紀初的近代繪畫以印象派為特色。巴黎的奧賽博物館（Musée d'Orsay）。這是由一座廢棄的火車站改建而成的，1986年開館。印象派作品是館藏的核心部分，在這裏，你能欣賞到馬奈、塞尚、莫奈和雷諾阿等許多名家的精彩繪畫。
荷蘭畫家梵高(1853-1890) 也是印象派大師。梵高在生前並不為人熟知，一生都潦倒不堪，只賣出一幅畫，可以說是典型絕望而又充滿熱情的藝術家。直到去世後藝術成就才得到高度評價，從而使他獲得了巨大的世界聲譽。
印象主義，可以說是光與色的藝術，他們在色彩方面的研究成果已達到驚人的成就。即使是今日現代的高科技攝影器材都是無法比擬的，它讓你神情愉悅，心情舒暢！印象派畫風老少鹹宜，能雅俗共賞，色彩著眼而舒暢，是很有美感的藝術風格。印象派強調人與自然的關係，將人投入大自然，與自然同呼吸。與中國人‘天人合一’的理念很吻合。跟中國文人畫的追求一致。藝術一定要有美感，就像食物要色、香、味俱全。繪畫也要有光、色、筆觸等藝術語言。印象派強調光與色，是美麗的語言，印象派有偉大的傳統，在它裏面可不斷被重新挖掘。
中國繪畫的審美標準是“形神兼備，神似重於形似。”而西方繪畫一直以在二維平面上精確畫出人類三維視覺經驗為最高美學標準。為了做到以二維精確表現三維，文藝復興畫家們發明了透視學，色彩學，光影學，藝用解剖學。但自1839年達蓋爾（L.Dageurre，1787-1851）發明銀版照相法，宣佈了人類第一架照相機的誕生。照相機的發明廢掉了西方畫家的寫實“武功”。怎麼畫，成了畫家的新問題。結果湧現出野獸派，立體派，達達主義，超現實主義等林林總總的新流派。可以歸納為抽象派。
抽象繪畫（AbstractPainting）是泛指20世紀想脫離模仿自然的繪畫風格而言，包含多種流派，並非某一個派別的名稱：它的形成是經過長期持續演進而來的。但無論其派別如何，其共同的特質都在於嘗試打破繪畫必須模仿自然的傳統觀念。以直覺和想像力為創作的出發點。
西班牙畫家畢加索就是一位抽象派大師。他1881年出生於馬拉加，14歲時他的父親作為美術教師在巴賽隆納美院謀得一份工作，於是全家搬到這裏。從此之後，畢加索多愁善感的青年時代就與巴賽隆納結下了不解之緣。他以優異的成績進入美院深造。1904年，這位初出茅廬的藝術家前往巴黎，在藝術上打開另一片天地，最終成為世界藝術巨匠。
畢加索一生勤奮，創作極豐，是世界上最多產的畫家，已載入《基尼斯世界之最大全》。到1973年逝世為止，在長達78年的藝術生涯中，他共創作了13500幅油畫或設計，100000幅版畫，34000張書籍插圖，300件雕塑和陶瓷藝術品。他一生創造的價值約7.5億美元。畢加索不僅作品多，而且情感強烈，不斷創新。他的畫吸收了印象派、野獸派的創作手法，又從非洲黑人雕刻中得到啟發，畫面不注意“形似”，而是著重表現畫家的情緒、感情，引起世界畫壇的轟動，尤其以奇特的立體主義手法震驚了全世界，成為20世紀最富創造性和影響最深遠的世界繪畫大師。
在馬德里普拉多南邊不遠的索非婭王后藝術中心（Centro de Arte Reina Sofia）。這裏最著名的作品是繪畫大師畢加索1937年創作的巨幅油畫《格爾尼卡》（Guernica）。這幅巨作長7.8米，寬3.5米。畫面上用黑、白、灰三色線條勾畫出西班牙北部小城格爾尼卡被德國法西斯狂轟亂炸後的情景。1937年4月26日，應佛朗哥的要求，納粹德國出動軍機，對格爾尼卡投下10萬磅炸彈。當日小城正逢集市，市民毫無防備，許多人倉皇向城外逃奔，而法西斯的飛機又低空掃射，1600多人被炸死打死，傷者更是不計其數。小城幾乎被徹底毀滅。從此，西班牙內戰就演變成了法西斯與民主力量之間的國際戰爭。對格爾尼卡的轟炸成了第二次世界大戰的前哨戰。被法西斯暴行激怒的西班牙畫家畢加索為此創作出了舉世聞名的巨幅油畫《格爾尼卡》。畫中有被炸死的孩子，悲痛欲絕的母親，血肉橫飛的人體，以及形象猙獰的牛頭和嘶叫的馬匹等，為畫家的嘔心瀝血之作。1939年，佛朗哥開始獨裁統治西班牙，畢加索將這幅畫送到紐約現代藝術博物館寄存，至1981年重返西班牙。它被視為20世紀的傑作和西班牙的國寶。